MURILLO

MARÍA JOSÉ PAYÁN

Niños comiendo uvas y melón

Representa una escena cotidiana del siglo XVII en Sevilla. Es un óleo sobre lienzo. En el se representan a dos pícaros sentados y con los pies sucios comiendo uvas y melón. Los dos se miran con cara de satisfacción. El fondo es oscuro y sobre el resalta la figura de los dos niños. Solo en un lado el fondo está iluminado para que se distinga del hombro del chico. No es un cuadro tenebrista pero resalta mucho el contraste entre las luces y las sombras.La luz es natural y procede del exterior. En el ambiente hay una masa de aire que diluye los contornos de los objetos. Los restos del melón en primer plano y la cesta nos dan profundidad. Es un cuadro naturalista. Los colores son terrosos y resalta sobre todo el blando de las camisas y el melón.

La Sagrada familia del pajarito

Es un cuadro del siglo XVII realizado en oleo sobre lienzo. Es una obra religiosa. Se representa a los personajes cándidos y alegres. Es una escena costumbrista en la que se encuentran San José, la Virgen y el niño Jesús jugando con un pero y un pajarito. No hay ningún símbolo de divinidad. El fondo es oscuro y neutro. Detrás de los personajes podemos ver utensilios un poco iluminados para crear fondo.Podemos distinguir en estos objetos la mesa de carpintero de San José. Es una composición típica barroca. En la composición observamos una diagonal entre San José, el niño y el perro. Al otro lado, la virgen se encuentra cortando un hilo para coser. La luz va dirigida del exterior hasta los rostros de los personajes para darnos volumen, la expresión y la calidad de las ropas. Hay comunicación física y visual entre ellos. Los colores son cálidos.

VELÁZQUEZ

MARÍA JOSÉ PAYÁN

La fragua de Vulcano

Pintado en óleo sobre lienzo. Es un cuadros del siglo XVII y pertenece al barroco español. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado. Se caracteriza por una pincelada suelta y vaporosa. El tema iconográfico es la metamorfosis de Ovidio.En el cuadro se representa a Apolo hablando con Vulcano junto con los demás trabajadores. Narra un hecho culminante (característica barroca). Mientras Vulcano fragua con sus ayudantes Apolo le está diciendo que su mujer le está siendo infiel con el dios de la guerra. En ese momento Vulcano está haciendo la armadura de Marte.Los personajes se separan del fondo neutro por la masa de aire que hay entre ellos y el fondo. Busca el espacio pictórico. Utiliza la perspectiva aérea y lo observamos en el personaje que se encuentra en el fondo. La composición también da perspectiva: círculo con tres personajes y otros dos detrás en diagonal. En el suelo encontramos herramientas y un tronco puestos en escorzo. En la chimenea la luz de las llamas hace que los personajes se alejen del fondo. Al autor le preocupa el análisis anatómico. Podemos observar un personaje de espaldas en contraposto. Vulcano tiene la curva praxiteliana. Es una escena costumbrista en la que Vulcano se representa como un trabajador de la vida cotidiana y no tiene ningún signo en el que podamos ver que es un dios. La luz es natural y procede del exterior e ilumina lo que quiere resaltar(a Apolo y las caras de sorpresa de los demás) y también da volumen. Con respecto a los colores, dejan de ser colores terrosos y empiezan a llenarse de luz y de colores intensos. Hay tres manchas que rompen los colores cálidos: la puerta, las sandalias de Apolo y el jarrón de la chimenea.

La fábula de Aracne, Las hilanderas.

Este cuadro es un homenaje al Rapto de Europa de Tiziano. Fue creado por Velázque en el siglo XVII. Pertenece al barroco español. El tema es mitológico: la fábula de Aracne. En este cuadro Velázquez a querido resaltar el valor artístico de la pintura en un ambiente cotidiano de artesanía. El mensaje que nos quiere dejar es que el arte está por encima de la artesanía. La fábula cuenta que Aracne decía que tejía mejor que los dioses y la diosa Atenea la reta a hacer un telar para competir con ella. Cuando concluyeron los dioses dijeron que los dos telares estaban empatados y Atenea castigó a Aracne a tejer durante toda su vida. El cuadro se representa con el tema principal en segundo plano y en secundario en primero. Representa momentos culminantes (la rueca de una de las mujeres está en funcionamiento , por eso no se ven los radios; y la rapidez con la que la joven de blanco enrolla el hilo). La escena está cargada de teatralidad. Esa teatralidad nos la da la joven de la esquina que descorre una cortina. El espacio pictórico lo consigue con distintos elementos. En primer término, una serie de objetos que nos dan la sensación de profundidad. La composición de los personajes que se encuentran a los lados y dejan un espacio diáfano en el centro que nos deja ver la sala donde se encuentran los tapices y una joven de espaldas. Al fondo, la habitación está introducida por dos escalones y en ella los personajes también se encuentran a los lados. Utiliza la perspectiva aérea y lo observamos en los contornos casi diluidos y en las caras de los personajes de atrás casi abocetadas. Podemos observar dos focos de luz en el cuadro: El primero, que procede del exterior e ilumina a la joven de blanco y el segundo, que ilumina la escena del fondo. Utiliza colores cálidos. Resalta el rojo de la falda de la joven y el cortinaje.

La palabra araña procede de esta fábula de Aracne.

ZURBARÁN

MARÍA JOSÉ PAYÁN

Bodegón

Es del siglo XVII. En este cuadro estudia el efecto de la luz sobre los objetos y nos da las calidades de los materiales. Dibujo perfecto y pincelada minuciosa. Los mejores logros pictóricos de Zurbarán están en la captación de las expresiones llenas de misticismo y en la representación de naturalezas muertas. El bodegón de Zurbarán ejercerá una gran influencia en el Cubismo, al mismo tiempo que contribuyó a una mejor valoración de su producción artística.

RIBERA

MARÍA JOSÉ PAYÁN

La Trinidad

Este cuadro es del siglo XVII. Pertenece a la pintura barroca española. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado. Es de estilo tenebrista. Está realizado en óleo sobre lienzo. El tema es religioso y representa el misterio de la santísima trinidad. En la escena encontramos a Dios padre, a Cristo y al espíritu santo en forma de paloma. Detrás de ellos se encuentran pequeñas cabezas de ángeles. En ella observamos gran teatralidad por la tela que recoge los pies de Cristo y la capa de Dios padre. Se representa a Cristo con el cuerpo muy alargado( puede que la influencia proceda del Greco) y representa una linea en zic-zac característica del manierismo.La diagonal de cristo es la que nos da la profundidad. El contraste entre luces y sombras es por influencia de Caravaggio. La luz es dorada característica de la pintura veneciana. Hace un tratamiento naturalista del desnudo. Los colores son cálidos. Destaca sobre todo la capa de dios padre y la tela de cristo. Ribera se caracteriza por su pincelada minuciosa y apretada que irá evolucionando en soltura y pastosidad.

El martirio de San Felipe

Es del siglo XVII. Pertenece al barroco español. Está pintado en óleo sobre lienzo. Este cuadro no es tan tenebrista como el anterior. El tema iconográfico es el martirio d San Felipe (en mucho tiempo se creyó que se trataba del martirio de San Bartolomé). En el encontramos representados tres grupos: en primer lugar, el santo y dos verdugos elevándolo mientras que otro lo coge por los pies; en segundo lugar, a la derecha un grupo de personas que observan el acontecimiento; y por último, un grupo de personas a la izquierda con una mujer con un niño en brazos ajenos a lo que está pasando. La composición de estos grupos de personas son dan perspectiva y profundidad. La escena está llena de movimiento. El santo representado con un canon de proporciones muy alargado y con el cuerpo en zic-zac, característica del manierismo. Uno de los verdugos se encuentra de espaldas y otro en escorzo. Luz natural que procede de un foco exterior y resalta lo importante como los rostros y el cuerpo del santo. Es un cuadro naturalista ya que representa a los personajes como son en la realidad (capta las imágenes del natural y las plasma en el cuadro). Refleja a las personas como son. Los colores son cálidos menos en el cielo que es azul. El rojo destaca mucho y contrasta con los demás colores. El dibujo es minucioso y detallista y está recubierto de color.

REMBRANDT

MARÍA JOSÉ PAYÁN

La lección de anatomía


Este es un cuadro pintado en el siglo XVII. Pertenece a la pintura barroca holandesa. Es un retrato colectivo. Este cuadro fue encargado a Rembrandt por el doctor Tulp donde se representa al doctor Tulp y sus alumnos en una lección de anatomía. Se convierteen una escena en la que los retratados aparecen realizando lo que podría ser una actividad bastante habitual para ellos: el doctor Tulp diseccionando un cadáver rodeado por sus alumnos, que muestran gran interés por lo que está haciendo su profesor, menos dos de ellos en el fondo que miran al espectador invitándole a observar la lección. Esto representa la cuarta dimensión. La escena está representada sobre un fondo neutro. La masa de aire que envuelve a los personajes los separa del fondo. Está compuesto por una diagonal que hace el cuerpo del cadáver y otra que hacen los alumnos y el profesor. Podemos ver una sucesión de hilerasde los personajes que forman un triángulo. Luz natural que resalta los rostros de los personajes y el cuerpo diseccionado.Grandes contrastes entre luz y sombras, a la manera tenebrista de Caravaggio. Los colores son negros y ocres. Los personajes van vestidos con la ropa de la época.

La ronda de noche

Este cuadro pertenece al siglo XVII. Pertenece al barroco holandés. Se encuentra actualmente en el Rijksmuseum, Amsterdam. Obra pintada en óleo sobre lienzo. Es un retrato colectivo. Esta ha sido una obra muy discutida. Se cree que se trata de la compañía de milicianos comandada por Frans Banning Cocq. El el podemos observar a una multitud de milicianos. En este cuadro no se ha representado la jerarquía de los personajes. Fondo oscuro. La composición de los milicianos representados nos hace creer que hay muchas más personas detrás de ellos. Las lanzas y banderas que llevan los personajes nos recuerdan a cuadros como El beso de Judas del Giotto o a La batalla de San Romano de Uccello. La luz resalta los rostros de los personajes. Colores oscuros. En especial resaltael traje y el sombrero del general que se encuentra en primer plano, un niño pequeño que es representado como un ángel y se encuentra entre la multitud y la tela roja del traje de Frans Banning. Este cuadro fue transladado en una ocasión donde le cortaron dos trozos de los lados para que sirviera de tapiz en una pared.

RUBENS

MARÍA JOSÉ PAYÁN ASENSIO

1º El rapto de las hijas de Leucipo

Este es un cuadro del siglo XVII y pertenece a la pintura barroca de Flandes y Holanda. Nos representa a las hijas de Leucipo siendo raptadas por dos hombres a caballo y un pequeño ángel en el caballo de uno de ellos. Toda la composición cargada de movimiento y expresividad en los gestos de los personajes.Se representan movimientos exagerados en las dos mujeres. Existe comunicación física entre todos los personajes representados. Es una pintura muy teatralizada y esto lo hace posible la tela roja que se entrelaza por medio de todos los personajes. Vemos un gran contraste entre las carnes femeninas que son más blancas y generosas por influencia de Tiziano, y las masculinas con colores más oscuros por influencia de la sociedad flamenca en la que los hombres trabajaban y las mujeres se quedaban en sus casas, de ahí que sus pieles sean más oscuras.Se representa en un paisaje natural. La luz nos da volúmenes y envuelve todo el ambiente con un tono amarillento por influencia veneciana. Las pinceladas son suaves pero pastosas que con la luz nos ofrece esa calidad de luces y sombras.Los colores son calidos pero con manchas de fríos. La tela roja entrelaza atodos los personajes y hace que llame la atención. En el cuadro encontramos perspectiva aérea.

2º Las Tres Gracias

Este es un cuadro que se pinto en el siglo XVII y pertenece a la pintura barroca de Holanda y Flandes.Es un óleo sobre tabla. Nos representa a las tres gracias danzando. Este tema ya se representaba en la época clásica. Rafael ya lo representó en el renacimiento y Boticelli en el cuadro llamado La primavera. Existe comunicación física entre las tres mujeres y también una comunicación entre sus miradas. Se representa la escena con gran teatralidad por el pañuelo que las une a ellas y porque está enmarcado a modo de escenario por los árboles que se encuentran a los lados y que sostienen una guirnalda. Al lado de la guirnalda podemos observar la figura de un cupido. Se representa en un paisaje natural. Las figuras femeninas de carnes generosas y blancas por influencia de Tiziano. Las figuras están cargadas de comunicación y expresividad en los rostros. Podemos encontrar perspectiva aérea en el fondo del cuadro. La composición de los cuerpos nos crea perspectiva. Representa a una dde las mujeres de espaldas y las otras dos de lado para darnos la sensación de que se están moviendo en círculo. Los colores son cálidos y resalta sobre todo la luz de las carnes y la guirnalda.

CARAVAGGIO

MARÍA JOSÉ PAYÁN ASENSIO

1º EL BACO

Este cuadro fue pintado en 1595 por Caravaggio en su primera etapa. Es de la época barroco italiana. En la actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia. Es de pequeño tamaño. Representa a Baco, el dios del vino. Está representado a medio cuerpo. Se dice que es un auto retrato de Caravaggio. Nos lo representa de forma mundana como una persona normal y no como un dios. La escena está representada sobre un fondo plano y está separada del fondo por la atmósfera que crea la luz. Su cara es muy expresiva. Nos mira y nos hace cómplices de sus acciones invitándonos con su copa. Con esto hace que el cuadro tenga una cuarta dimensión haciendo también participe del cuadro al espectador. La tela blanca hace que la imagen este teatralizada. Se obtiene la profundidad por el cesto de frutas y flores que se encuentra delante del personaje. Utiliza un tipo de luz que ilumina las partes del cuadro que le interesan dejando a oscuras otras. A esta técnica se le llama tenebrismo. Este cuadro va a influir a velázquez en sus pintura lo veremos sobre todo en Los borrachos.

2º LA CRUCIFICSIÓN DE SAN PEDRO

Este cuadro se encuentra en la Iglesia de Santa María del Popolo, en el interior de la Capilla Carasi, en Roma. Este cuadro es del naturalismo tenebrista del barroco italiano. El tema iconográfico es la crucificsión de San Pedro, como su propio nombre indica. Consigue la profundidad con la composición colocando personajes en escorzo y de espaldas. La luz nos resalta los aspectos importantes del cuadro y creando una atmósfera que hace que separe a los personajes del oscuro fondo. La luz ilumina sobre todo la expresión de San Pedro. Los colores del cuadro son especialmente cálidos he excepción de una pequeña mancha de fríos. Representa a los personajes como personas de la vida diaria y no los idealiza. Esta naturalidad la podemos ver en detalles como los pies manchados de uno de los personajes. Por lo tanto por estas características decimos que pertenece al naturalismo tenebrista. Tiene una composición triangular o en aspa ya que se pueden formar dos diagonales en el cuadro, una seguida por el cuerpo de San Pedro y otra perpendicular que une a los dos mozos que intentan subir la cruz. El pañuelo azul de la esquina equilibra la composición. Es una escena teatralizada.

En frente de este cuadro, en la misma capilla, encontramos La conversión de San Pablo del mismo autor.